Cien reinas del rock, Vol. I

Hola, gente. Hay algunas cosas en este mundo que amo con la fuerza de mil soles y una de ellas es la música rock. Así es, los rumores son ciertos: soy un rockerillo que usa playeras de bandas y se pone Axe de chocolate para ocultar el olor a humedad. Y en particular amo las voces femeninas en el rock. Así que, aprovechando que es marzo, mes de la mujer y su lucha por sus derechos, vamos a hablar de reinas del rock.

 

Éste es un blog de difusión cultural y en el que nos gusta difundir el arte hecho por mujeres. Esta serie tiene el propósito de mostrar a la chaviza que el mundo del rock no son nada más señores septuagenarios que se parecen a tu tía y salen con jovencitas. Y también para recordar los otros señoros con playeras de bandas que existe más que AC/DC. Además, quiero ser el primer divulgador del rock que no esté funado en redes por deudor alimenticio.

 

Entonces, les presento este nuevo proyecto: Cien Reinas del Rock. Cada cierto tiempo estaré presentándoles una selección figuras femeninas que dejaron huella en la historia de la música rock. Empezamos con 15 en esta entrega e iremos poco a poco hasta juntar la centena.

 

Antes de que algún hípster venga a decir “Jeje, tu selección es muy mainstream”, responderé: sí, güey, ésa es la idea. Quiero empezar por lo más básico, clásico y relevante, para que mis tres lectores y lectoras puedan ir introduciéndose en este fantástico mundo. Conforme avancemos con el proyecto podremos ir explorando terrenos menos conocidos.

 

El árbol genealógico de la música rock es vastísimo. En cada entrega quiero cubrir un poco de las diferentes décadas que ha abarcado su historia, desde sus orígenes hasta el presente siglo. Eso implica partir por los progenitores del rock: el blues y el gospel. También quiero poner ejemplos de sus vástagos más prolíficos, el metal y el punk, con sus innumerables subgéneros. Y claro, están los géneros hermanos, con los que se ha influido mutuamente: el soul, el funk y el pop.

 

Vamos en orden cronológico, no tanto por la edad de las artistas, sino por la época en la que lanzaron sus primeros éxitos. Tendremos que remontarnos en el tiempo. Mucha gente hoy en día relaciona el rock con puro blanco flacucho, pero los orígenes de esta música están en las comunidades afroamericanas (como casi toda la música chida del siglo XX, en realidad). Así que empecemos por ahí…

 

1. Rosetta Tharpe (1915-1973): La cultura evoluciona de forma gradual, y es difícil señalar el momento exacto del nacimiento de un género. Sin embargo, si quisiéramos dar a alguien el título de “creadora del rock”, ésa sería la hermana Rosetta Tharpe, quien tiene más mérito que nadie en impulsar la transición de la música gospel y blues al rock n’ roll propiamente dicho. No por nada ella tiene el título de Abuela del Rock. Así es, señoros, el rock no sólo es creación de la población negra, sino de una mujer. Y cristiana, aunque nos cale a los ateos.

 

Oriunda de Arkansas, Rosetta Tharpe inició cantando gospel y tradicionales canciones espirituales afroamericanas, pero con una interpretación muy peculiar, incorporando guitarras eléctricas y experimentando con la distorsión que luego sería una de las marcas del rock. Su popularidad la llevaría a los clubes de moda y a la televisión, grabando su primer álbum en 1947. Su influencia en la primera generación de rocanroleros fue enorme; entre sus discípulos se encuentran Little Richard, Chuck Berry, Elvis Presley y Johnny Cash.

 

Tuvo una prolífica carrera desde finales de los años 30 hasta 1970, cuando dejó de tocar en vivo por cuestiones de salud. En los 60 hizo una gira por Europa con otras leyendas del blues, y tuvo un impacto cultural tremendo en Inglaterra, prácticamente impulsando a la generación de rockeros que serían los íconos de la contracultura sesentera, como Eric Clapton y los Rolling Stones.

 

Rolitas: Down by the Riverside, Strange Things Happening Everyday, This Train, Up Above my Head, Didn’t it Rain?

 

 

2. Big Mama Thornton (1926-1984): Willie Mae Thornton, nativa de Alabama, fue hija de un predicador y de su esposa, cantante de iglesia. Así, como muchos de los primeros rockeros, creció imbuida por la cultura gospel y se educó a sí misma en el canto y el manejo de instrumentos. A los 14 años fue descubierta por un show de blues itinerante y ahí comenzó su tórrida carrera musical.

 

Para Big Mama, la música venía del alma y el corazón. Su voz era tan poderosa que ella prefería prescindir de micrófonos. En sus presentaciones, Thornton daba una imagen de gran fortaleza con su tremendo vozarrón y su lenguaje corporal; claramente tenía el dominio del escenario.

 

En sus canciones abordaba temas de las relaciones de pareja, desde el deseo hasta el maltrato y la decepción. Su mayor éxito fue su interpretación de Hound Dog, escrita por Jerry Lieber y Mike Stoller, y grabada en 1952. Elvis Presley grabó otra versión tres años más tarde, que se volvió mucho más famosa. Big Mama también es la autora de Ball n’ Chain, que grabó en 1968, considerada una de las canciones clave en la evolución del rock ‘n roll, y que después haría famosa Janis Joplin, a quien Thornton dio su bendición.

 

Aunque las canciones de Thornton se hicieron famosas en boca de otros artistas, y su versión de Hound Dog vendió millones de copias, a ella se le negaron las regalías por chanchullos legales (sólo le pagaron $500 por la grabación). Murió en la pobreza por enfermedades relacionadas con el alcoholismo. Su legado sólo comenzó a ser apreciado en retrospectiva tras su muerte.

 

Rolitas: Ball n’ Chain, Everything Gonna Be Alright, Rock Me Baby, Mixed Up Feeling, Hound Dog

 

 

3. Lesley Gore (1946-2015): Nada representa mejor el sonido sesentero anterior a la explosión de la contracultura que la música de Lesley Gore. Vestidos cortos, peinados altos y pasitos de baile agogó definieron la primera mitad de la década. Niña prodigio nacida de una familia judía de Nueva York, Lesley debutó con su primer álbum a la edad de 16 años, en 1963. Ahí se estrenó la que sería su canción más famosa It’s My Party, una de las más emblemáticas canciones de desamor adolescente.

 

Lesley consideraba que su rola más personal es el himno feminista You Don’t Own Me, una reafirmación personal de autonomía y empoderamiento que ha resonado una y otra vez desde entonces, y que en la época era profundamente desafiante. Y no olvidemos que Lesley era lesleyana… leslibana… les… Era lencha, pues.

 

Estrictamente, el estilo de Lesley Gore es pop, pero en aquella época este género aún no se diferenciaba del rock n’ roll, además de que uno y otro se influirían mutuamente a lo largo del tiempo. Aunque lanzó sus canciones más famosas en los 60, Gore siguió trabajando como compositora en las décadas que siguieron. Después de un hiato de casi treinta años, lanzó su último álbum en 2005, con una nueva versión de You Don’t Own Me. La huella de Gore se ha dejado sentir por todo el árbol genealógico del rock. Además, ella es la única de esta lista que ha salido con Batman.

 

Rolitas: It’s My Party, Sunshine, Lollypops and Rainbows, Hey Now, Out Here on my Own, You Don’t Own Me

 

 

4. Janis Joplin (1943-1970): Si dependiera de mí y tuviera que escoger a quién dar el título de LA reina del rock, sería a Janis. La década que va de 1965 a 1975 es, a mi parecer, en la que el rock alcanzó la mayoría de edad; en que vemos aparecer canciones que incorporan múltiples influencias literarias y filosóficas; en que la experimentación dio lugar a un torrente de estilos y subgéneros que no harían más que diversificarse; en que se convirtió en la voz de una revolución contracultural.

 

Una de las figuras más importantes de esa contracultura fue precisamente Janis Joplin. Nacida en Texas en una familia conservadora, fue una chica que sufrió marginación y abuso en la escuela. Su único consuelo era su amistad con otros inadaptados, con los que se juntaba a escuchar blues, lo que encendió su vocación. A los 20 años dejó su hogar para ir a California haciendo autoestopismo.

 

Su carrera inició realmente en 1966, cuando se unió como vocalista a la banda Big Brother and the Holding Company. Los años que siguieron fueron intensísimos. Con Big Brother participó en el Monterey Pop Festival de 1967 (el legendario “Verano del Amor”), y ya como solista, en el aún más legendario Festival de Woodstock de 1969.

 

De muchas formas, Janis era la personificación femenina de los 60: era toda pasión, música y psicodelia; practicaba la bisexualidad y el amor libre, y usaba todo tipo de drogas. No quiero que parezca que romantizo las adicciones ni la muerte juvenil, pero de cierta forma, hasta en su lamentable final encarnó el espíritu contracultural de la época. En octubre de 1970 se unió al trágico “club de los 27”, al morir de una sobredosis. Queda su legado como una de las voces más impresionantes que ha dado el rock.

 

Rolitas: Piece of My Heart, Me and Bobby McGee, Cry Baby, Summertime, Ball N’ Chain, Try (Just a Little Bit Harder)

 

 

5. Grace Slick (n. 1939): ¡Dios salve a la Reina! Y me refiero a Grace Slick, la Acid Queen. Su voz profunda y potente se convirtió en uno de los íconos de la música psicodélica. Y es que parte fundamental de la contracultura sesentera fue el uso de drogas alucinógenas como la marihuana y el LSD; la experiencia con estas sustancias inspiró un nuevo tipo de arte, en particular una música que buscaba estimular los sentidos como lo hacían los alucinógenos.

 

La banda Jefferson Airplane, de la que Slick era vocalista, nos dio algunas de las canciones más emblemáticas de este movimiento. Una de ellas es la celebérrima White Rabbit, inspirada por Alicia en el País de las Maravilla (uno de los libros más apreciados por la contracultura), en que la voz de Slick se luce con su capacidad de ponernos en trance.

 

Nuestra amada Acid Queen protagonizó una de mis anécdotas favoritas del rock. Resulta que ella era condiscípula de la hija de Richard Nixon, y por ello fue invitada a una fiesta en la Casa Blanca. Entonces Slick desarrolló un plan para drogar al nefario presidente y a sus canchanchanes con LSD, para ver si así alcanzaban la iluminación y le ponían un alto a la guerra en Vietnam. El plan fracasó cuando Slick y sus secuaces fueron descubiertos por el servicio secreto, que los tenía fichados.

 

Jefferson Airplane se presentó tanto en el Monterey Pop como en Woodstock. En los 70 la banda se convirtió en Jefferson Starship, cuyo álbum Blows Against the Empire es una epopeya de ciencia ficción en forma de rock progresivo que los fans de Star Wars amarán. Luego la banda evolucionó en simplemente Starship, con la que Grace conocería nueva popularidad en los 80. Hoy, retirada de la música, nuestra talentosísima Acid Queen se dedica a la pintura.

 

Rolitas: White Rabbit, Lather, We Built this City, Nothing’s Gonna Stop Us, Somebody to Love

 

6. Aretha Franklin (1942-2018): Otra niña prodigio, admirada por su increíble voz, a los 12 años de edad ya estaba haciendo tours por diferentes pueblos cantando gospel en las iglesias. Empezó a adquirir fama cuando a los 18 se mudó a Nueva York y firmó con Columbia Records, la disquera con la que lanzaría sus primeros álbumes populares.

 

Por esos años el blues y el gospel habían engendrado un nuevo género en el corazón de la América negra: el soul. Esta música se caracterizaba por un ritmo más vivaracho, voces poderosas y coros. El soul acabaría jugando un papel en la evolución del rock en esos mismos años. Estamos en la época del Movimiento por los Derechos Civiles de los afroamericanos, y el soul jugó un papel fundamental. De hecho, Aretha conocía a Martin Luther King desde muy joven, y al final ella fue de las compañeras que cantó en su funeral.

 

El éxito comercial llegó para esta talentosa cantante cuando firmó con Atlantic Records. Los tardíos 60 y los 70 fueron su época dorada, con álbumes que le cosecharon fama, premios y reconocimiento. No por nada recibió el título de Reina del Soul, y fue la primera mujer en ser incluida en el Salón de la Fama del Rock. Su versión de I Say a Little Prayer se convirtió en la más famosa, pero sin duda su canción más emblemática es, cómo no, ese otro himno feminista que es Respect.

Rolitas: I Say a Little Prayer, A Natural Woman, Think, I Never Loved a Man, Respect

 

7. Patti Smith (n. 1946): Si el rock adquirió forma en los 50 y alcanzó la mayoría de edad en los 60, fue en los 70 en donde llegó a la madurez y empezó a reproducirse. Es la época en la que surgen y toman forma distinta el hard rock, el prog rock, el heavy metal y, por supuestísimo, el punk.

 

La carrera de Patti Smith, oriunda de Chicago, empezó en aquellos años formativos, y obra temprana la coloca a medio camino entre el rock sesentero y el punk setentero. Realmente su época más clásica fue entre finales de los 70 y principios de los 80, en que ayudó a dar forma al punk y el rock alternativo. Después se retiró durante muchos años antes de volver de lleno a la música en la segunda mitad de los 90.

 

Devoradora de libros e inquieta artista, desde joven experimentó con diversas formas de expresión además de la música y el canto, incluyendo la poesía, la dramaturgia, el ensayo, el modelaje fotográfico y el performance. Su familia es originaria de Chicago y ella creció educada como testigo de Jehová, una fe contra cuya rígida moral se rebeló desde la adolescencia. La imaginería religiosa es una constante en su obra, como se puede apreciar en su versión de Gloria. Su álbum más popular es Easter, que incluye su canción más icónica, Because the Night, coescrita con Bruce Springsteen.

 

Por su personalidad desafiante, su presentación andrógina y la legendaria de Easther, en que aparece en toda la gloria de su velluda axila, Patti Smith ha sido considerada un ícono feminista y contracultural, y su influencia se deja sentir en décadas de música, en especial de rock alternativo.

 

Rolitas: Radio Ethiopia, People Have the Power, About a Boy, Because the Night, Gloria

 

8. Siouxsie Sioux (n. 1957): La escena punk, como bien deberían saber, se originó en los barrios de clase trabajadora de Inglaterra. Allí, a mediados de la década de los 70, una joven londinense llamada Susan Ballion, a los 17 años abandonó la escuela para dedicarse de lleno a pasar el tiempo en clubes y siguiendo a bandas como Sex Pistols. Aún antes de empezar actuar, se hizo famosa en la escena punk londinense, ya con el nombre de Siouxsie Sioux.

 

No contenta con sólo escuchar y bailar, se aventó a crear su propia banda, Siouxsie and the Banshees. No tenía ningún tipo de entrenamiento musical, pero creía en la tradición punk de “hazlo tú misma”. La importancia de The Banshees en la historia de la música no puede exagerarse. Fueron una de las primeras bandas de post-punk, con un sonido más experimental, que retomaba la complejidad del rock psicodélico.

 

Sobre todo, Siouxsie es una figura clave en el surgimiento del goth, tanto la música como la subcultura. Ella prácticamente inventó la apariencia de la chica goth clásica, con su cabello teñido de negro, su maquillaje gótico y su ropa siempre negra, muchas veces con accesorios tomados del sadomaso. Canciones como Spellbound y Halloween tendieron el puente entre el post-punk y el goth.

 

Pero Siouxsie no se detuvo ahí. A lo largo de la década de los 80 experimentó con nuevos ritmos y sonidos, incursionando en el new wave y el alt-pop. Su influencia ha sido enorme en un montón de bandas tan disímbolas, desde The Cure hasta Radiohead. Por si fuera poco, Siouxise colaboró con Danny Elfman para crear la canción Face to Face, parte de la banda sonora de Batman regresa, e inspirada en la tormentosa relación entre Bruce y Selina.

 

Rolitas: Spellbound, Halloween, Cities in Dust, Kiss Them for Me, Face to Face

 

9. Joan Jett (n. 1958): En 1975 el productor musical Kim Fowley tuvo la idea de armar una banda de rock de puras mujeres. Después de diversos ires y venires, la alineación se formó con Joan Jett, Cherie Currie, Lita Ford, Sandy West y Jackie Fox. Aunque hoy en día la banda es considerada un hito en la historia del rock femenino, y en particular de los primeros años del punk, en aquellos años nunca alcanzaron el éxito comercial. Sumado a diversos problemas como diferencias creativas, un ambiente tóxico y abuso de sustancias, estaba el hecho de que Fowley era un cabrón abusivo y un violador. Para conocer la historia, ahí tienen la peli The Runaways, por si tienen ganas de ver a Kristen Stewart y Dakota Fanning agarrándose a besos.

 

Varias de las integrantes de la banda luego tuvieron exitosas carreras musicales, y una de ellas es precisamente Joan Jett. Nacida en Los Ángeles, era una adolescente cuando se unió a The Runaways, al igual que sus compañeras. Sus intereses musicales se inclinaban hacia el punk y el hard rock, y tras la disolución de la banda, Joan creó la suya propia, The Blackhearts, con la que alcanzó una gran fama tras un exitoso concierto en Nueva York, en 1981.

 

Desde entonces, esta Madrina del Punk, como ha sido llamada, ha permanecido tanto en los escenarios, como ante los micrófonos de grabación, y también tras bambalinas, como productora. A eso le podemos sumar muchas apariciones y cameos en el cine y la televisión (incluyendo una aparición especial en Steven Universe).

 

Rolitas: Cherry Bomb, Bad Reputation, Androgynous, I Love Rock N’ Roll, I Hate Myself for Loving You

 

10. Tina Turner (1939-2023): La tercera parte de la saga cinematográfica de Mad Max, Beyond Thunderdrome, estrenada en 1985, recibe mucho odio. Y ciertamente no es tan buena como las otras entregas, pero tiene varias cosas destacables, sobre todo a Tina Turner como la principal antagonista, vistiendo uno de looks más ochenteros que los ochenta hubieran conocido.

 

Bien, notarán que Tina es mayor en edad que otras divas que pusimos antes en este conteo; esto tiene su razón de ser… Miren, Tina Turner tuvo carrera muy longeva, y en su obra se puede ver la evolución del rock desde el R&B hasta el hard rock, pasando por el funk, el soul y la música disco. Conoció cierto éxito entre el 65 y el 75 con su esposo Ike, para seguir una carrera en solitario tras su separación.

 

Durante algunos años sus éxitos fueron más bien modestos. Para los tardíos 70 y principios de los 80, parecía que su apogeo había quedado atrás y que ella se había convertido en una artista que tocaba para viejitos nostálgicos en clubes y hoteles. Pero de pronto, por ahí de 1983 fue re-descubierta y ¡pum!, como una mujer de mediana edad conoció una fama astronómica internacional, sus discos vendían millones, sus conciertos rompían récords de asistencia, y se ganó el título de Reina del Rock N’ Roll.

 

Los 80 ciertamente fueron la era dorada para Tina, cuando se permitió experimentar con gran éxito en un montón de subgéneros distintos. Considerada una de las mejores cantantes del siglo XX, rompió estereotipos de paradigmas para una mujer negra de su edad, cosechando premios y éxitos y exhibiendo una retadora sensualidad cuando rozaba ya los 50 años.

 

Rolitas: What’s Love Got to Do With It, Better Be Good To Me, Golden Eye, The Best, One of the Living

 

11. Lita Ford (n. 1958): Si Joan Jett se decantaba por el punk, su hermana de armas Lita Ford se sentía más atraída por el heavy metal. Cuando se separó de The Runaways siguió su propia carrera, convirtiéndose en una de las estrellas del glam metal más famosas de los 80, abriendo así la puerta a muchas otras mujeres en los múltiples géneros del metal.

 

Lita nació en Londres, de padre británica y madre italiana, pero se crio en California. A los 11 años empezó a tocar la guitarra eléctrica, queriendo imitar a sus héroes de la banda Deep Purple. A los 16 se unió a The Runaways como guitarrista, y ya vimos cómo acabó ese proyecto. En 1982 inició su carrera como solista y así se convirtió en una de las figuras más ochenteras de los ochenta.

 

Ninguna otra estrella femenina encarna el glam metal ochentero como Lita Ford: con su pelo alborotado, sus pantalones de cuero negro más allá de lo ajustado, su rol tanto como estrella de rock y sex symbol, bailando sensual mientras toca la guitarra y muestra su escotatso, acompañada por su banda de hombres mamados que le dan duro a los instrumentos, cantando canciones con letras más bien simplonas y música que bien podría ser el intro de una serie animada de los 80.

 

Rolitas: Stiletto, Playing With Fire, Fatal Passion, Kiss Me Deadly, Dancing on the Edge

12. Kathleen Hanna (n. 1968): A principios de los 90, en la zona del estado de Washingon, surgió un movimiento underground para devolver el punk a sus raíces y alejarlo del comercialismo en el que había caído. El punk es y debe ser rebeldía contra el sistema, así que no podía se dejado en manos de un montón de vatos vendidos a las disqueras. Así tuvimos Riot grrrl, mezcla de punk con feminismo y activismo político, y quizá la banda más icónica de ese movimiento es Bikini Kill.

 

Formada por la cantautora Kathleen Hanna, la guitarrista Billy Karren, la bajista Kathy Wilcox y la baterista Tobi Bail en 1990, Biniki Girl retomaba el espíritu iconoclasta del punk original, con la filosofía de “hazlo tú misma”, el sonido abrasivo y las letras explícitas y provocativas. Sus canciones trataban de sexo, anarquismo, violencia, y discriminación, y se permitían expresar toda la furia contenida que la sociedad les había negado.

 

Hanna cuenta haber empezado a interesarse por el feminismo a los nueve años, en que su madre la llevó a una manifestación en la que Gloria Steinem dio un discurso; más tarde, su interés fue alimentado por la revista Ms. y por el libro clásico La mística de la feminidad de Betty Friedan. En la universidad participó en distintas actividades feministas y culturales, decidiéndose finalmente a perseguir una carrera en la música punk.

 

En su momento, Bikini Kill, y en general el movimiento Roit grrrl, fueron satanizados por los medios de comunicación y los “padres preocupados”. Aunque populares en la escena punk, no alcanzaron un éxito comercial mainstream. Tras su disolución en 1998, la banda pareció caer en el olvido… Hasta que fue redescubierta por una nueva generación. Su canción insignia, Rebel Girl, se convirtió en un himno para la cuarta ola del feminismo a finales de los 2010, y fue entonces que Hannah, Wilcox y Vail se reunieron para nuevas giras, que siguen llevando hasta la fecha.

 

Rolitas: I Like Fucking, Reject All American, Anti-Pleasure Dissertation, White Boy, Rebel Girl 

13. Dolores O’Riordan (1971-2018): Algo curioso sucede con la canción Zombie. Es una desgarradora pieza llena de dolor y rabia, que habla de la guerra entre el Ejército Republicano de Irlanda (IRA) y el gobierno del Reino Unido, en la que la población civil de Irlanda se veía atrapada. Es una de las canciones antibélicas y de protesta más famosas de la historia, y en general es considerada una de las mejores rolas de rock. Y, aunque se convirtió en la canción más emblemática de The Cranberries, es una canción muy atípica para ellos.

 

El resto de la obra de la banda presenta más bien un pop rock alternativo bastante suave en cuanto a sonido, si bien las letras siempre son profundamente líricas, con claras influencias de la música celta típica de Irlanda. A lo largo de la discografía de la banda, su vocalista, Dolores O’Riordan nos permite disfrutar de su dulce voz, con sus característicos cantitos tiroleses y sus lamentos gaélicos. Pero en Zombie, uff, es donde Dolores nos deja ver el potencial de su voz como en ninguna otra canción.

 

Dolores nació en una familia católica de clase trabajadora en Irlanda. Destacó cantando en el coro de su iglesia y se unió a The Cranberries con sólo 19 años de edad, no sólo para ser vocalista, sino autora de muchas de las letras. Rápidamente se convirtió en una de las cantantes más icónicas de los 90 e influyó en la siguiente generación de músicos. Tras lidiar durante décadas con el trastorno bipolar, finalmente perdió la vida cuando en estado de ebriedad se ahogó en la bañera de su hotel. Tenía sólo 46 años.

 

Hay varias razones por las que The Cranberries es especial para mí, incluyendo que descubrí el verdadero significado de Zombie al mismo tiempo que comenzaba a desarrollar una conciencia política, y que de todas las reinas del rock en esta lista, es Dolores la única a quien tuve el privilegio de poder ver en concierto.

 

Rolitas: Animal Instinct, Be With You, Just My Imagination, Dreams, Zombie

 

14. Alanis Morissette (n. 1974): Y ya que estamos en los 90, pocas cosas tan noventeras hay como la música de la cantautora canadiense Alanis Morissette. Nativa de Ontario y descendiente de supervivientes del Holocausto, Alanis su carrera en el pop, pero realmente encontró su voz y la fama con el álbum Jagged Little Pill, considerado uno de los mejores de los 90.

 

El estilo de Alanis se inserta en la tradición post-grunge, que tomaba mucho del subgénero tan popular a principios de la década, y le daba un sonido menos abrasivo, aunque no por ello menos intenso. En sus letras, Alanis refleja como nadie el desencanto con la vida de la entonces joven generación X, especialmente de las mujeres.

 

Sus temas siguen resonando en nuestros tiempos tan alicaídos. Podemos entender la sosegada melancolía de una canción como Thank You, o la frustración existencial de la icónica Ironic. Pero si hay una rola que expresa la furia sin empacho, ésa es You Oughta Know; la ira es un sentimiento que la sociedad no suele aprobar en las mujeres (se las tacha de locas), y esta canción ha ofrecido una válvula de escape para ya tres generaciones desde entonces.

 

Rolitas: Ironic, Thank You, You Learn, Hand in My Pocket, You Oughta Know

 

15. Janelle Monáe (n. 1985): Quizá ustedes conozcan a Monáe por su reciente participación en la película Glass Onion. Yo la conozco por ser una de las creaturas más hermosas del universo. Además de actriz, cantante y modelo, Janelle escribe ciencia ficción. Ah, y aunque se ha declarado persona no binaria, sigue usando pronombres femeninos, así que no me funen.

 

Nacida de una familia de clase trabajadora de Kansas (padre camionero, madre mucama), Janelle fue una niña precoz y excéntrica nerd que se la pasaba leyendo ciencia ficción, escuchando música e imaginándose viajando a otros mundos como Dorothy.

 

Sus inspiraciones e influencias son muchas y muy diversas. Abarcan desde su experiencia vital como mujer negra de clase trabajadora, hasta el cine expresionista; musicalmente, incorpora rock, jazz, blues, funk, soul, pop, hip hop y hasta música sinfónica. Es una diosa, para acabar pronto. Su álbum The ArchAndroid es uno de mis favoritos de toda la vida, así que perdónenme si la selección de canciones viene principalmente de ahí…

 

Rolitas: Faster, Mushrooms and Roses, Django Jane, We Were Rock and Roll, Come Alive

 

Pues ahí tienen, gente. En el futuro quiero expandir esta colección para incluir más subgéneros, música en otros idiomas y cosas más underground. Si esta primera entrega tiene éxito, la próxima saldrá más pronto. En el ínter, sigan disfrutando y recomendando la buena música. Por ahora me despido, deseando un muy sororo, exitoso y combativo mes de marzo a todas las mujeres que pasen por acá.

PD: Me pidieron que pusiera todas las canciones en una sola lista para poder escucharlas de corrido. Aquí la tienen.

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